Milton Davis and Vickie Uyeda: Common Ground - Descripción Visual Audio Guía


Bienvenidxs

Hola y bienvenidxs. Mi nombre es Allison Agsten, directora del Main Museum of Los Angeles Art. El Main es una institución que exhibe únicamente obra de artistas de los Ángeles como Vickie Uyeda & Milton Davis, cuyo trabajo se encuentra en exhibición actualmente. Varias partes de esta exhibición han sido diseñadas o modificadas para mayor accesibilidad. Antes de empezar con el tour, me gustaría contarles un poco más sobre ellas.

En esta exhibición, Milton Davis and Vickie Uyeda: Common Ground, hemos colgado las obras de forma conveniente para quienes usan sillas de ruedas, o tienen estaturas más bajas. Adicionalmente, el arte localizado en la pared de atrás, ha sido montado a una altura significativamente más baja que la estándar en la mayoría de los museos. Con el centro de la obra ubicada a una altura de no más de 40 pulgadas del piso, estas pinturas y dibujos han sido instalados a una altura ideal para ser observadas sentadxs.

Asimismo, ofrecemos tours con descripciones visuales en español e inglés. Todos los materiales en nuestro espacio están disponibles en ambos idiomas, incluyendo esta audio guía.  Por último, los materiales impresos usan una tipografía grande que facilita la experiencia para personas con baja visión.

Este tour es un poco distinto a las típicas audio guías de museos. Hoy estaremos aprendiendo sobre las obras en exhibición, usando el método de descripción visual. Los tours de descripción visual son tradicionalmente ofrecidos para aquellas personas con baja visión, o aquellxs que necesitan ayuda organizando y asimilando información.  Personas con todo tipo de habilidades encontrarán que la descripción visual puede ser una excelente herramienta para pensar sobre el arte. Inclusive, cuando estaba escribiendo este texto, encontré que yo misma estaba relacionándome con la obra de manera más enfocada, tomando nota y poniendo atención a los detalles más pequeños, y como éstos impactaban la composición general del trabajo.  Esperamos que disfruten escuchando esta audio guía, y pensando sobre el arte en la exhibición, a partir del lente de la descripción visual.

El tour comienza con una descripción y una introducción a nuestro edificio y la exhibición. Luego estaremos describiendo seis obras a profundidad. Estaremos juntxs por aproximadamente media hora.


El Edificio

Comencemos este tour, orientándolxs acerca del edificio y nuestros alrededores. El Museo Main está ubicado en el centro de Los Ángeles, en la calle 4, al oeste de la calle Spring y al este de la Main. La entrada del museo mira hacia el norte. El edificio está situado en una calle llena de edificios construidos en la primera mitad del siglo veinte. Estamos en el centro de Los Ángeles, lo cual en contraste con el resto de la ciudad, se siente como lo que esperarías que fuese el centro de una ciudad. Hay mucha arquitectura histórica; las estructuras alrededor se erigen a una altura aproximada de doce pisos y están construidas con materiales como ladrillo y granito, al igual que llenas de cornisas decorativas y otras características floridas propias de un tiempo pasado. Esta parte de la calle 4 es bastante escénica y de hecho, se usa frecuentemente como fondo para películas y series de televisión situadas en diferentes épocas, particularmente entre el 1920 y los 50’s.

Puede ser que se den cuenta que estamos en el corazón de la ciudad por el ambiente y los sonidos claramente identificables del tráfico a las afueras del museo. Nuestra ocupada calle recibe también mucho tráfico a pie, y nos alegra reportar que la mayoría de nuestros visitantes son personas que pasan por el área.

La fachada del Main ha sido pintada de gris claro, como el color del cemento. Esto hace que el edificio se sienta moderno, pero con la paleta de color de los otros edificios más antiguos de la calle.  Tenemos una marquesina preciosa encima de la puerta principal de entrada, que tiene aproximadamente 14 pies de ancho y vigas de 8 pies que se extienden sobre la acera. Nuestra marquesina tiene decoraciones de flores de parra hechas en hierro forjado a cada uno de los lados, que contrastan con el estilo minimalista de la cuadrícula del fondo que tiene 17 hileras de 10 luces. Cada bombillo es redondo y tiene el tamaño de un tomate cherry grande.  Al anochecer, las luces se convierten en algo distintivo de nuestra fachada.

La doble puerta de entrada, que se encuentra debajo de la marquesina, es toda de vidrio y está ubicada justo al centro de la fachada.  A cada lado de la entrada tenemos ventanales grandes de vidrio que permiten una vista al interior del museo. Cada ventana tiene aproximadamente 12 pies de ancho, o el doble del ancho de la puerta de entrada por la que acaban de pasar. Las ventanas son de la misma altura que la puerta de entrada, pero están ubicadas a unos 3 pies del piso.  Éstas permiten que entre mucha luz natural al interior del museo, y le dejan saber al transeúnte que el museo es un lugar transparente y poroso, abierto a todxs. Por lo general cuando la gente pasa por nuestra fachada se asoma.  A mano derecha de la entrada, hay una rampa de metal que permite accesibilidad al edificio.

El edificio fue construido entre 1903 y 1906 y, en la mejor manera, puedes sentir la edad de éste una vez que entras. Tenemos la fortuna de tener techos de 14 pies de altura, y un espacio de 3,500 pies cuadrados.  Esa altura, junto con las paredes blancas, hacen que la galería se sienta radiante y amplia. El espacio puede describirse como dividido en tres tercios verticales iguales, con dos filas de columnas que corren a lo largo del centro. Las columnas han recibido mucho uso a lo largo de los años y muestran señales de deterioro cosmético que le otorgan carácter. Sus cuatro ángulos o esquinas no son necesariamente puntiagudas, y en su parte superior tienen capitales preciosos que también muestran señales del tiempo.

La sala principal cuenta también con unas molduras de corona que corren a lo largo de la parte superior de todas las paredes, justo en su intersección con el techo. Posiblemente, una de las características más pronunciadas del museo es su techo. En años pasado, cuando se hicieron reparaciones a las tuberías y los cables localizados encima del techo, lxs trabajadorxs simplemente cortaban grandes huecos, arreglaban el problema y dejaban los huecos abiertos. Es por esto que tenemos 14 huecos grandes en forma de cuadricula encima de nosotros. Están enmarcados por vigas que revelan la parte interna del techo, conformada en su mayoría por tuberías. Siéntanse en la libertad de dar un pisotón fuerte en el piso, o aplaudir, para que pueda sentir como el sonido reverbera en el espacio. Incluso atrévete a decir “Museo Main” un par de veces, para que escuches como tu propia voz resuena en la sala.

Pon atención a los pisos también, que se encuentran cubiertos de azulejos antiguos que fueron descubiertos durante la renovación que hicimos hace dos años. Estos tienen bordes, que no siempre empatan, y están colocados en un patrón conocido como Greek Key Pattern (Patrón de llave Griega). En el área a la derecha de la entrada, los azulejos son blancos y negros y la mayoría del detalle es azul clarito. Llenamos con concreto las áreas que no tenían azulejos. Si puedes, agáchate y siente la textura del piso, tocando sus pequeños azulejos de una pulgada de ancho por una de profundidad. En otras áreas, los azulejos son más grande, de 3 por 3 pulgadas aproximadamente. Como si fuese una alfombra que ha sido desenrollada para darte la bienvenida, hay unos azulejos más grande color crema que corren por el tercio central del espacio, flanqueados por las columnas de las que hablaba anteriormente. Frente a cada una de las columnas que están más cerca a la entrada, se encuentra una vasija de cerámica, montadas sobre un estante lucen como esfinges. Vemos 24 pinturas y dibujos colgados en las paredes, excepto en el lado derecho del frente, en donde tenemos nuestra recepción.

Más atrás, en la pared izquierda, vemos un difunto elevador que hemos aprendido es un polipasto. Parece una jaula, con cables entretejidos en la parte superior del frente. Está pintado de blanco, como todo lo demás en el espacio, excepto los pisos. La pared del fondo tiene 8 pies de alto por 32 pies de ancho. Encima vemos unas paredes de vidrio de 7 pies de alto que nos permiten observar la galería Mezzanine, que actualmente se encuentra cerrada. 

Antes de discutir los trabajos en la exhibición, me gustaría hablarles sobre lxs artistas y la exposición como tal.


La Exhibición

Esta Exhibición, explora el mundo de dos artistas; Milton Davis, nacido en 1949 en Arkansas, y el de Vickie Uyeda, nacida en 1958, no muy lejos de aquí en Beverly Hills. Estxs artistas, hacen un trabajo vibrante, compuesto de complejos dibujos y pinturas que van desde serenas representaciones del mundo natural, a retratos con un énfasis en la cultura Pop. 

El trabajo de Davis, caracterizado por formas creadas a partir de prolijos patrones hechos con líneas y círculos, están inspirados en el trabajo textil propio del arte Folk, al igual que de la diáspora africana. Su acercamiento a la forma de ‘hacer marcas’, refleja no solo el carácter escrupuloso y exigente de su práctica, sino también el resultado de lidiar con una condición que afecta a la coyuntura de sus manos. Por su parte, las pinturas suntuosas y expresivas de Uyeda hacen uso del color de una forma inesperada que se suma a la riqueza casi táctil de sus capas pictóricas. Sus representaciones de personajes conocidos como John Wayne y Dennis Rodman trascienden la representación convencional, logrando que luzcan siniestras o heroicas, respectivamente. Y al igual que en todas las pinturas de Uyeda, estos sujetos, los de sus pinturas, observan al espectador con una mirada desconcertantemente penetrante.

Tanto Davis como Uyeda, han estado activos por décadas trabajando en la Exceptional Children’s Foundation Art Centers Program o ECF por sus siglas en inglés, el cual ha creado oportunidades artísticas para adultos con discapacidades del desarrollo alrededor de Los Ángeles desde 1968. Lxs artistas en los EFC Art Centers, crean en un ambiente de estudio moldeado a partir de los estudios profesionales de artistas, con la guía de mentores e instructores altamente capacitados. El ECF es la única organización en su tipo en California, que ofrece servicios completos a lo largo de la vida de niños y adultos con necesidades especiales y discapacidades del desarrollo. Como el artista participante de mayor tiempo en ECF, David ha pasado 5 días a la semana durante los pasados 50 años, trabajando y ejerciendo su práctica en el estudio de ECF al sur de Los Ángeles, al igual que en el Art Center de Westside. Asimismo, Uyeda ha participado en los centros del ECF desde 2004.

Esta exhibición ha sido curada por mi colega y curadora asociada del museo, Mónica Rodríguez, en colaboración con Allison Agsten, Directora del Museo Main.

Comenzaremos el tour con una selección de trabajos de Milton Davis que están colgados en la pared derecha, cuando se entra al espacio. A este lado de la galería, vemos 7 dibujos enmarcados de diferentes tamaños; todos están enmarcados en marcos blancos de una pulgada de ancho con una maria luisa color blanco mate de aproximadamente una pulgada de ancho entre el marco interior y la obra.  Estos marcos y la forma en la que han sido enmarcados, no solo protegen la obra, sino que permiten que podamos concentrarnos y enfocarnos en los trabajos.


Milton Davis, Untitled

Milton Davis realizó “Untitled” en el año 2000. Es una obra hecha en tinta y bolígrafo sobre papel y mide veintiséis pulgadas y media de alto, por veinte pulgadas de ancho. En la obra, el artista vuelve a unos sujetos que ha estado visitando una y otra vez a lo largo de su práctica: la imagen de una madre y su hijx.

En la obra, vemos a una madre, retratada de la cadera para arriba, cargando a un(x) bebé, que parece tener un año, tal vez un poco menos.  Están centrados en el dibujo, y ocupan la mayor parte del campo visual de la obra cuyo fondo es blanco, liso. El(la) bebé está como sentadx en el antebrazo izquierdo de la madre, y la mano de ésta se dobla sobre la espalda de la(el) niñx. El pulgar de esta mano no es visible, pero podemos concluir que se esconde entre su propio cuerpo y el de el(la) bebé. Le está dando seguridad con la mano. Notamos mucha intimidad entre estos sujetos. La cabeza de la(el) bebé está acurrucada en el cuello de la madre.  La(el) niñx mira directamente al espectador(a) con una expresión como diciendo: “yo también te veo”. La relación entre madre e hijx no puede ser interrumpida. La mirada de la madre está en otro lado, sus ojos miran hacia arriba. Hay también una capa ligera, rosada de pintura en la esquina izquierda de su boca.

Esta imagen es sumamente llamativa por sus cualidades gráficas. El artista usa pluma negra sobre papel blanco, creando muchos contrastes, con un tono suave color melocotón que sombrea la piel.  El pelo de el(la) bebé está hecho conectando cientos de micro círculos, que dan un efecto de rizos cortos. Tanto la(el) bebé como la mamá, cuyo cabello no se ve porque se encuentra debajo de un turbante, están usando ropa hecha con textiles africanos. La madre usa un vestido con cuello y mangas que llegan hasta el codo, en una tela que combina con la pieza que lleva en el pelo. El(la) bebé usa una túnica hecha con una tela de diferentes patrones. El patrón en las telas es probablemente la característica más distintiva del dibujo. Es sumamente detallado. El patrón en el vestido de la madre tiene óvalos bien pequeños que tienen la forma de almendras. Están ubicados verticalmente y casi tocan, punta con punta, formando numerosas líneas que van de arriba a abajo en el vestido. Los óvalos están pintados de color negro y crean un efecto como de cadena que se observa en las mangas y el cuerpo del vestido. Estas cadenas, probablemente estarían a una pulgada o menos si estuviesen impresas en tu camisa, están constantemente delimitados entre sí. El mismo patrón corre horizontalmente a lo largo del turbante de la madre. La túnica de el(la) bebé tiene un patrón audaz con líneas de círculos separados por filas de motivos triangulares.  Cada dos triángulos la orientación del patrón cambia y es invertido, y cada triángulo se llena de entre cinco y diez triángulos por dentro. Las telas usadas por la madre y el(la) hijx son extremadamente detalladas; su complejidad se magnifica en las áreas en donde hay pliegues y la tela cae, o se mueve; como en el turbante de la cabeza de la madre, o en la tela que cuelga en la parte central de su vestido, o bien, en la tela de la espalda de la(el) niñx.  Estos patrones serían fascinantes en cualquier contexto, pero son aún más dramáticos en contraste con el dibujo simple de las caras de la madre y el niñx.


Milton Davis, Trees in a Forest

Los paisajes de Davis exuden las destrezas de su instrumento de elección - el bolígrafo- e impresionan con el evidente trabajo y labor requeridos para realizarse. Como con todas las obras de Davis, vemos en esta pieza muchísimo detalle, lo que nos deja saber que le tomó muchos meses completarla. Es uno de los trabajos más grandes, con 24 pulgadas de alto y 36 pulgadas de ancho y es notable no sólo por su escala, sino porque está hecho sobre madera, lo cual representa un parteaguas con el medio tradicionalmente utilizado por el artista. Este es un trabajo reciente, dato que tomamos de la fecha escrita en la obra que lee 04-25-18.

Este dibujo puede dividirse en siete bandas horizontales. Imaginemos una muestra representativa de la tierra por ejemplo, el área de un acantilado desértico, esa que revela fósiles de diferentes eras. Apiladas y en contraste con sí mismas, cada línea es una impresión de un periodo. Al igual que en un texto geológico, estas ‘muestras’ de Davis no son siempre perfectas o rectas. Cada intersección muestra ondas y delineados irregulares entre una capa y la otra. Empezando por la parte de arriba, observamos el color claro del grano de la madera. Aquí, el grano realza la composición en una forma que el papel blanco no podría lograr. Del lado izquierdo, el azul es un poco más oscuro y mengua un poco como si estuviese imitando nubes. Un azul más claro entra del lado derecho para encontrarse con el azul más oscuro en el centro, donde sutilmente se unen. Debajo del paisaje del cielo, se encuentra la segunda banda horizontal, que probablemente no representa ni la tierra, ni las nubes. Esta banda está hecha de líneas muy cercanas entre sí, una debajo de la otra, debajo de otra más que parecen hechas con los dedos.  Davis utiliza líneas densas, y vemos como esa sensibilidad esta en juego en esta pieza. La tercera es una banda dentro de una banda. La ‘sub-banda’, por así llamarla, es una línea de pequeños árboles con copas planas de hojas angostas - casi como un cerco- Estas copas están interconectadas y hechas de incontables círculos negros rellenos con acuarela verde. Esta banda se inserta en una banda de madera sin pintar, color natural. La quinta banda, similar a la segunda, parece representar tierra o nubes y está hecha de líneas horizontales. La sexta, probablemente la más impresionante, está hecha de diez árboles grandes de formas irregulares. Nuevamente, las hojas están hechas de pequeños círculos, miles de ellos en este caso, rellenos de color verde, que ondulan y se conectan con los otros. Sus troncos son sustancialmente más cortos que sus copas, y se ubican, casi como asentados en la última banda de color madera.


Milton Davis, Portrait of Yayoi Kusama

Titulada “Portrait of Yayoi Kusama,” esta obra en papel incorpora diferentes tintas a color al igual que pintura en acuarela. Milton Davis la realizó entre el 2015 y el 2016. Tiene 15 pulgadas de alto por 18 pulgadas de ancho. Tal y como el título sugiere, este es un retrato de la famosa artista japonesa Yayoi Kusama. El retrato muestra a Kusama de la mitad del pecho hacia arriba y de frente, como si estuviese mirando al espectador. Como figura, ocupa los dos tercios de abajo del plano pictórico, y está ubicada sobre un fondo verdaderamente amarillo pintado en acuarela. Probablemente, lo más atractivo de esta obra es el distintivo corte de pelo de Kusama; corto y encima de los hombros con un cerquillo, y que en la visión de Davids, ha sido creado a partir de cientos de puntos de tinta azul que tienen el diámetro de la cabeza de un alfiler. Los círculos no están rellenos, entonces el blanco del papel se nota a través del cabello. No obstante, la densidad de los puntos crea una masa tan sólida que al principio puede verse como una sola marca azul únicamente, y no azul y blanco como realmente es. Casi como si Kusama estuviese usando una redecilla delicada en su cabeza. En la vida real, Kusama suele usar una peluca roja con este mismo corte.  Asimismo, Davis le ha otorgado cejas azules y verde claro, y sus labios están hechos de líneas delgadas en vez de círculos.

Kusama tiene ahora 89 años, y las líneas que Davis le otorga alrededor de la boca, ojos y párpados, nos deja saber que este es un retrato reciente de la artista. Las líneas simples que crean sus rasgos y expresiones faciales, están directamente dibujadas sobre el papel que sirve de fondo blanco.  La expresión en la cara de Kusama es la que suele tener en todas las fotos, una que puede describirse como ‘en blanco’, excepto por su mirada que se muestra alerta, con una expresión casi de alarma reflejada en sus grandes ojos. En el retrato de Davis, su mirada es penetrante pero luce menos alerta que en las fotografías que solemos ver de la artista. En este, la vemos usando una camisa de cuello bote color roja con círculos grandes blancos, tres de los cuales son visibles en su totalidad y cuatro que se ven interrumpidos porque están en la parte de abajo de la pintura, o son parte de la caída de la tela.

Si pensamos en que este trabajo está compuesto por tercios horizontales, el fondo amarillo domina el tercio superior. La cara de Kusama y su pelo, se ubican en el tercio central, y la camisa roja con circulos blancos, ocupa el tercio de abajo, cubriendo casi la totalidad del papel. El sentido general que nos transmite es que la figura sostiene el peso del espacio.

Davis, trabaja usualmente con círculos que suelen estar muy cerca uno del otro, como les describí anteriormente en este trabajo. Su elección de sujeto parece ser adecuada, ya que como pueden saber, Kusama es mundialmente conocida por su trabajo con círculos y el uso del círculo como forma predominante en su obra, misma que aparece recurrentemente en su trabajo desde los inicios de su carrera.  Los círculos de Kusama también suelen estar ubicados muy cerca unos de otros y la artista se refiere a ellos como “redes infinitas”. Asimismo, la artista tiende a usar ropa estampada con círculos gigantes, tal y como vemos en el retrato de Davis, quien suele revisitar a sus sujetos y Kusama, una de sus artistas favoritas, no es la excepción, dado que este no es el primer retrato que realiza de la artista. Sin embargo los otros no se encuentran en exhibición.


Vickie Uyeda, John Wayne

Una de las facetas más notables de la obra pictórica de Vickie Uyeda es su vibrante y sorprendente uso del color, muchos de los cuales son mezclados por la artista personalmente.  Otro elemento clave de su obra es la generosidad de sus brochazos.

Realizada en 2017 y titulada “John Wayne,” este retrato de la estrella de cine representa un punto de partida de su estilo, ya que su sujeto está representado únicamente a partir de líneas y realizado a un solo color. La diferencia es en gran parte producto de la forma en la que Uyeda crea esta pieza- John Wayne es una litografía de 21 pulgadas de alto por 16 pulgadas de ancho - más que una pintura.

El busto de John Wayne o la parte superior de su cuerpo, flota en el centro de la impresión,  y la forma, o su presencia, toma casi todo el largo y ancho del papel en el que está impreso. Aquí, vemos una interpretación de un still de una película que Uyeda a tomado como punto de partida para su retrato. El torso de Wayne está ligeramente en ángulo, con un hombro inclinado un poco hacia atrás y con ese mismo brazo doblado, sosteniendo una pequeña pistola. Su mentón está hacia abajo y sus ojos miran hacia arriba, en una posición típica en la que podríamos esperar ver a alguien que está listx y dispuestx a disparar si es necesario. Wayne está vestido a la usanza tradicional vaquera, o “Western”; con una camisa de botones, un chaleco encima de ésta y la característica bandana alrededor de su cuello.  También porta un sombrero vaquero, accesorio tradicional de la estrella de Hollywood. Las partes más detalladas de esta obra - en otras palabras, el área en donde se concentra la mayoría de líneas- es el centro y el lado derecho de la litografía.  Aquí, la artista enfatiza la caída de la tela en el área de la bandana y el chaleco. Este denso trabajo de líneas brinda un gran contraste a las líneas más simples que definen su sombrero y su cara, misma que luce inquietante. Junto con la pistola en su mano, la cara casi en blanco de Wayne le otorga un halo amenazante a la obra. Sus ojos son particularmente cautivadores. El iris de su ojo izquierdo se encuentra tan cercano a la parte superior de su párpado que parece como si ese ojo solo tuviese blanco. El iris de su ojo derecho luce más estándar. No tiene cejas. Estas características evocan una especie de disparador zombie e intencionalmente o no, hacen que Wayne luzca más como el ‘tipo malo’ que el “tipo bueno”.


Vickie Uyeda, Kitty come back

Titulada “Kitty come back,” esta pintura de un gato es la obra más grande de Uyeda en la exhibición - mide 20 pulgadas de alto por 16 de ancho. El animal ocupa cuatro quintos del papel, su cabeza domina el centro de la pintura y su pecho y patas, más angostos, ocupan la parte de abajo.

La posición de la cabeza del gato y los lados bien erguidos de su cuerpo, indican que está sentado, aunque no vemos más allá de la mitad de la pierna, justo antes de que el papel se acabe.  El gato está sobre un fondo negro. Este trabajo está hecho con pintura acrílica, y comparado con el trabajo de Davis que hemos discutido anteriormente, su superficie cuenta con una textura dramática.  Davis usa tinta, lo cual altera la textura del papel mínimamente. Uyeda, por otro lado, usa pintura acrílica, soluble en agua, pero con una base plástica que, después de secarse y endurecerse, se transforma literalmente en plástico. El acrílico es buen medio para el sujeto de esta pintura, ya que el mismo puede ser aplicado para lucir como pelo de gato. Similar a la forma gruesa en la que se unta el glaseado en un bizcocho, la pintura usada para esta obra se observa viscosa, y las líneas hechas por los brochazos y pinceladas de Uyeda, logran un aspecto y textura de pelo en la superficie.

Lo más notable de la pintura es, sin duda, el gran tamaño de los ojos del gato. Se muestran anchos, bien abiertos, con dos tonos diferentes de verde y bien delineados en negro. Circundando el iris azul y oblongo, vemos un verde vibrante, como de primavera, similar al del color de una manzana Granny Smith. Alrededor de ese tono, hay uno más claro, un verde casi mudo que nos remite a un helado de menta. Este animal porta una expresión muy evocativa y enigmática en su mirada. Es el ancho de sus ojos una señal de curiosidad? de pronto, tal y como el negro del fondo sugiere, el gran tamaño de los ojos del gato, permite que entre la luz disponible de la tinta oscura alrededor.  Las orejas parecieran darnos una señal, están echadas hacia atrás.

Moviéndonos hacia abajo en el cuerpo del animal, vemos un collar delgado que se asoma entre su pelo atigrado. Aunque este es un gato de pelo corto, la pintura gruesa le da un aspecto denso y afelpado. Nuestros dedos podrían hundirse como una pulgada si tuviéramos a este animal en nuestras manos. Su cuerpo es gris, los lados de su boca son más blancos, y su pecho es blanco también. Algunos puntos negros manchan su cabeza y forman algunas líneas que se unen en la parte de arriba. El gato también tiene marcas negras a los lados de su boca.  Uyeda es amante de los animales; un par de sus pinturas de pájaros, al igual que una pintura de una rana y un tigre, también se encuentran presentes en esta exhibición.


Vickie Uyeda, Dennis Rodman

Con unas dimensiones de 23 pulgadas de alto por 24 pulgadas de ancho, este es uno de los retratos más grandes y complejos de Uyeda. Realizada en 2015, y titulada Dennis Rodman, la pintura nos muestra a la colorida ex figura de los Chicago Bulls, presente en esta obra del pecho hacia arriba.  Uyeda ha pintado al atleta varias veces antes, ya que es muy fanática de él. Desde la mirada de Uyeda, Rodman se nos presenta más flamboyante que nunca, majestuoso.  Porta una capa ondulante en color rojo con bordes amarillos, que combina con su jersey de los Bulls. Empezando desde arriba, Uyeda ha pintado una pequeña cabeza de toro en la esquina izquierda, dentro de un triángulo amarillo. En la esquina superior derecha, vemos una pequeña cabeza de vaca, también dentro de un triángulo amarillo. Estos pueden leerse como el diablo en un hombro y un ángel en el otro. Asimismo, vemos garabatos rojos que se unen en la parte superior de la pintura y a sus lados, formando una especie de halo, o arco dorado, interrumpido intermitentemente por líneas blancas que se estiran a lo ancho de la pintura, comenzando por abajo de la cabeza del toro, arqueándose hacia arriba, y luego bajando nuevamente debajo de la cabeza de la vaca.  El interior del arco está ocupado por diferentes tonos de rosa y un violeta casi lavanda.  La cabeza de Rodman está también coloreada en amarillo para representar uno de sus tradicionales estilos, con el pelo teñido de rubio. Su mirada es diabólica y luce satisfecho. Una cola roja como de serpiente, vendada en color blanco y con una punta casi diabólica al final, se asoma en el halo anteriormente mencionado.  Aparte de la cabeza de Rodman, el halo coupa el tercio superior de la pintura. En la mitad, las manos de Rodman se doblan justo debajo de su mentón, y en cada dedo vemos una uña larga y negra que adorna sus manos. La palabra BULLS aparece de entre los dedos entrelazados del basquetbolista. Las letras están en mayúsculas en negro y con un borde blanco.

En la parte inferior de la pintura, debajo del pecho de Rodman vemos llamas. Encima de las llamas, Uyeda ha pintado esta frase en mayúsculas:

EL SERÁ UN HOMBRE SALVAJE. SU MANO ESTARÁ EN CONTRA DE TODOS LOS HOMBRES Y LA MANO DE TODOS LOS HOMBRES EN CONTRA DE LA SUYA.

GÉNESIS 16:12

El texto es una presencia inusual en la pintura, ya que Uyeda no suele incluir este tipo de elementos en su trabajo. Un componente más común, y también presente en este retrato, es un borde pintado que enmarca el sujeto. En esta ocasión el borde es de aproximadamente una pulgada y media de ancho, en un tono azul claro; un contraste sutil a los colores vibrantes y asertivos usados en el resto de la imagen.  La cara de Rodman, por ejemplo, está hecha de mejillas naranjas, bordeadas en amarillo para delinearla.  Su piel es marrónclara con algunas áreas resaltadas en rojo como la parte debajo de sus ojos, sus labios rojos y su barba de chivo. Sus brazos son marrones y púrpuras, pero más púrpuras que marrones.  En la vida real, Rodman es en efecto bastante colorido, y conocido por teñir su cabello, vestir ropa llamativa y usar maquillaje de vez en cuando.


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This activity was supported in part by the California Arts Council, a state agency, and the National Arts and Disability Center at the University of California Los Angeles.